Lumiere Hall — выставочное пространство и культурно-образовательный центр в сфере новых медиа. Открылось в Казахстане в 2023 году. За это время они организовали выставки с оригинальными работами Бэнкси, Сальвадора Дали, легенд поп-арта Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, а также мультимедиа выставки Густава Климта, Рене Магритта, Фриды Кало и других выдающихся художников.
Мы поговорили с соосновательницей Lumiere hall Полиной Егарминой, чтобы узнать больше о пространстве и его особенностях.
— Что вас вдохновило привозить оригиналы таких знаковых художников, как Бэнкси и Сальвадор Дали, в Казахстан?
Музей Lumiere-Hall существует уже 10 лет, за это время мы организовали выставки в более чем 50 городах, включая постоянные и поп-ап площадки. Наши проекты охватили не только Казахстан, но и международные локации — музей уже успешно работает в Будапеште, а вскоре откроется в Амстердаме.
Впервые работы Бэнкси мы показали на крупнейшей выставке в Московском Центральном Доме Художника (ЦДХ), которая прошла в 2018 году. Тогда экспозиция включала более 100 работ культового британского андерграунд-художника. Коллекцию мы собирали по крупицам среди коллекционеров со всего мира. Выставка была невероятно популярна. Поэтому когда мы решили привезти первую выставку в Алматы, выбор пал именно на Бэнкси. Мы представили 7 оригинальных работ и мультимедийное шоу. Отклик зрителей превзошел все ожидания, интерес к искусству мирового уровня оказался невероятно высоким. Это вдохновило нас продолжать.
Ни для кого не секрет, что идея поп-арта возникла как способ сделать искусство доступным для каждого, массовым и популярным. На выставке представлен широкий спектр работ в различных техниках. Например, начиная с 1962 года, Энди Уорхол много работал с шелкографией. В экспозиции можно будет увидеть его серию Sunday B. Morning (1985): портреты Мэрилин Монро, банки супа Кэмпбелл, цветы. Каждая работа на обороте вместо традиционной подписи имеет шутливый синий штамп автора «Fill in your own signature».
Работы таких художников, как Джеймс Розенквист или Роберт Индиана, представлены как в оригинальных выполненных художниками и подписных литографиях, так и в афишах и плакатах, поскольку основная идея выставки в том, чтобы рассказать историю поп-арта и сделать это максимально полно на примере 20 крупнейших художников этого направления.
Также на выставке будет выставлена работа Мела Рамоса, выполненная в период, когда он увлекся техникой эмали. А на оригинальных пластинках будут представлены обложки альбомов The Rolling Stones «Sticky Fingers», которую оформил Энди Уорхол, и The Beatles «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» Питера Блейка.
Коллекция Lumierre hall — это итог более чем пятилетних переговоров с коллекционерами и галереями. Некоторые доступные для нас плакаты и афиши приобретались в европейских и американских галереях и на аукционах.
— С какими сложностями вы столкнулись при организации выставок таких масштабов?
Одна из главных сложностей — ожидание своей очереди на аренду коллекции. Произведения таких знаковых художников, как Дали и Бэнкси, востребованы по всему миру и расписаны на годы вперед разными музеями и галереями. Чтобы привезти их в Казахстан, приходится работать над этим задолго до самой выставки, выстраивая долгосрочные партнерские отношения и доказывая, что мы можем обеспечить все необходимые условия.
Следующий важный вызов — логистика. Доставка оригинальных произведений требует тщательной подготовки и строгого соблюдения международных стандартов. Это касается не только транспортировки с учетом климатических условий, но и специализированной упаковки, таможенного оформления и страховки, где каждый этап сопровождается строгим контролем.
Еще один критический аспект — соблюдение условий экспонирования. Каждое произведение предъявляет особые требования к влажности, температуре и освещению. Например, должны использоваться лампы с определенным спектром и уровнем интенсивности, чтобы минимизировать воздействие на материалы.
— Какой из ваших проектов вы считаете самым значимым для вас лично и для культурного пространства региона?
Как небольшой частный музей, мы осознаем, что привезти в Казахстан легендарные шедевры мирового уровня, такие как «Мона Лиза» или «Звездная ночь», — задача, выходящая за рамки наших возможностей. Но в этом и есть наша уникальная роль в музейной экосистеме. Мы не конкурируем с крупными институциями, а дополняем их, создавая новые точки соприкосновения между зрителем и искусством.
Наша миссия — рассказать, что искусство многогранно, доступно и гораздо шире привычных представлений. Великие мастера, такие как Сальвадор Дали и Энди Уорхол, экспериментировали с различными техниками, и мы демонстрируем это, привозя их литографии и шелкографии. Эти работы позволяют взглянуть на творчество художников с другой стороны — увидеть, как они адаптировали свои идеи к графическим техникам, изучали возможности тиражирования и работали с новыми материалами.
Через наши выставки мы формируем у зрителей более полное и целостное представление о том, как развивается искусство. Мы показываем, что оно не ограничивается живописью на холсте, а включает в себя широкий спектр форм — от классической графики до современных мультимедийных форматов.
— Как вы определяете digital art и в чем его уникальность по сравнению с традиционным искусством?
Digial art — это не просто новое направление в искусстве, а естественный отклик на изменения в мире, вызванные технологическим прогрессом. Это не вопрос превосходства над традиционным искусством, а ответ на вызовы времени. Так же, как поп-арт появился в ответ на растущее влияние рекламы и массовой культуры, digital art стал отражением нашей жизни в цифровой эпохе. Развитие программного обеспечения, искусственного интеллекта и интерактивных технологий дало художникам новые инструменты для работы.
Если говорить о формате мультимедийных выставок — оживших полотен — то это инструмент, позволяющий зрителю глубже погрузиться в мир искусства. Это мостик между аудиторией и классическим музеем, создающий эмоциональный и образовательный контекст. Через мультимедиа мы не только оживляем работы великих мастеров, но и вдохновляем людей на дальнейшее изучение их творчества, пробуждая интерес к оригинальным произведениям.
— Какие новые формы или жанры digital art вы наблюдаете в последние годы?
AI-генеративное искусство, NFT-искусство, иммерсивный XR-арт — интерактивные проекты в VR/AR/MR средах. Генеративный арт — динамические работы, изменяющиеся в реальном времени, глич-арт — использование цифровых ошибок и сбоев в визуальном стиле, дата-арт — визуализация данных и научных процессов, phygital-арт — сочетание физических объектов с цифровыми технологиями.
— Какие технологии (например, AI, VR, AR) сейчас наиболее активно используются в digital art? Какие используете вы?
Используются все — каждый новый виток хайпа вокруг AI, VR, AR или блокчейна вдохновляет художников на эксперименты и новые форматы.
Мы идем в метаверс — всегда занимались созданием виртуальных галерей, а теперь сделали шаг дальше и создали проект большого виртуального музея IDA. Он даст возможность любому человеку, независимо от его местоположения, посетить экспозицию прямо со своего телефона. Более того, благодаря искусственному интеллекту посетители могут слушать лекции интересных спикеров на любом языке — AI мгновенно переведет контент в реальном времени.
— Какие качества отличают успешного художника digital art в современном мире?
Насмотренность — умение видеть тренды, вдохновляться искусством прошлого и находить новые идеи. Усидчивость — терпение и готовность к долгой работе, ведь один рендер может занять несколько суток. Адаптивность — способность быстро осваивать новые программы и подходы. А также командная работа. Успешные проекты часто требуют взаимодействия с программистами, кураторами и маркетологами.
— Насколько важна интерактивность для современного искусства, и где проходит грань между искусством и технологией?
Интерактивность сегодня важна не искусству, а зрителям, особенно для молодой аудитории музеев. Современные зрители, привыкшие к быстрому потреблению информации через короткие форматы, такие как Reels и TikTok, зачастую испытывают сложности при восприятии традиционных музейных экспозиций. Поэтому важно переосмысливать подход к созданию традиционных выставок, интегрируя современные технологии, чтобы сделать экспозиции более вовлекающим.
Я думаю, актуальнее другой вопрос — где проходит грань между контентом и искусством? Digital art — молодое направление, которое развивается на наших глазах, и мы все еще продолжаем искать ответы на этот вопрос. Граница между технологиями и искусством становится все более размытой, позволяя художникам использовать цифровые инструменты не только как средство, но и как часть самого творческого процесса. Пока четких методичек для этого нет, поэтому мы продолжаем искать ответы, наблюдая, как технологии влияют на художественный процесс и формируют новые способы восприятия искусства.
— Как вам пришла идея создать Lumiere hall?
Первый Lumiere Hall открылся в Санкт-Петербурге — городе с более чем 150 музеями. Наш главный челлендж был в том, чтобы стать важным дополнением к культурному пространству и сделать искусство доступнее и понятнее без необходимости изучать историю искусств. Мы хотели, чтобы люди приходили и просто наслаждались. Позже мы начали возить музей по разным городам, где важной задачей стало показать произведения, которые обычно можно увидеть только в мировых музеях — ведь не у всех есть возможность поехать за границу.
Кроме того, нас вдохновил глобальный тренд на цифровизацию культуры и поиск новых форматов для вовлечения зрителей. А сейчас Lumiere Hall — это еще и платформа для развития современного искусства и поддержка молодых digital-художников.
— Кто является вашей основной аудиторией на выставках digital art?
Наша основная аудитория — это дети, молодые люди и активные пользователи технологий. Они открыты к новым форматам восприятия искусства и с удовольствием взаимодействуют с мультимедийными экспозициями. Также на выставках много женщин — они чаще всего интересуются культурными событиями, приводят семьи и друзей. Очень любим когда к нам приходят компаниями друзей, чтобы потом обсудить выставку за ужином.
— Какие страны или регионы вы считаете лидерами в области мультимедийного искусства?
Япония впереди планеты всей по интеграции технологий и искусства. Проекты, такие как teamLab1 копируются всеми пространствами мира, Дубай и Абу-Даби активно инвестируют в международные команды создающие цифровые арт-пространства.
— Есть ли у вас какие-то планы на будущие проекты?
Да, у нас большие планы. Один из ключевых проектов — новый цифровой планетарий, который станет площадкой для мультимедийных шоу, научно-популярных программ и арт-инсталляций.
Кроме того, мы продолжаем работать над разработкой виртуального музея, который позволит людям со всего мира посещать наши выставки онлайн и слушать лекции на любом языке с помощью AI.
— Как вы считаете, должны ли границы между искусством и коммерцией быть более четкими или наоборот — размытыми?
Искусство всегда было связано с рынком — будь то меценаты эпохи Возрождения или современные коллаборации с брендами. Сегодня искусство — это не только творчество ради искусства, но и важная часть экономики, маркетинга и технологий. Художники находят новые способы монетизации, бренды используют арт-контент для коммуникации, а выставочные проекты становятся привлекательными как для широкой аудитории, так и для бизнеса. Это правильный круговорот — бизнес, вкладываясь в искусство, не только делает себе имя, но и способствует развитию регионов, вдохновляя людей и создавая культурную среду. Художник не должен быть голодным, и я призываю всех обязательно платить авторам за их труд.
Получай актуальные подборки новостей, узнавай о самом интересном в Steppe (без спама, обещаем 😉)
(без спама, обещаем 😉)
