Очередной выставочный сезон открылся в Москве. Главным событием стала девятая международная ярмарка современного искусства COSMOSCOW, которая, несмотря на перенос, все-таки состоялась с 17 по 20 сентября в Центральном Манеже.
Свои стенды представило рекордное количество галерей — 82, с самой широкой географией в истории ярмарки: Австрия, Аргентина, Бельгия, Болгария, Германия, Гонконг, Грузия, Россия, США, Франция, Швейцария и Эстония.
В рамках поездки также удалось посетить и Blazar young art fair, Московскую Арт-Премию в Зарядье, выставки в Гараже, MAMM, MMoMA, Пушкинском и Новой Третьяковке, а еще несколько в частных коммерческих галереях (LOBBY, Alina Pinsky Gallery, MIRRA Gallery, Lazy Mike, CUBE).
В этом материале Мадина Сергазина расскажет о работах, которые впечатлили ее.
Томас Деманд «Зеркало без памяти»/коллективная выставка «Служба времени. О природе длительности, преодоления и аффекта»
Деманд — немецкий художник, один из самых значимых фотографов последних десятилетий, заимствуя уже существующие изображения событий или предметов из прессы и других источников, воспроизводит их в реальном масштабе из картона и бумаги, фотографирует, а затем уничтожает. Первая мысль: чем-то напоминает Гурски, но, вглядевшись, становится понятно, что у этих художников больше различий, чем сходств. Гурски исследует некий макрокосм, а его видение — своего рода отвлеченный взгляд Бога на землю. Деманд же, напротив, посвящает очень много внимания деталям, скрупулёзно складывая оригами-макеты, это — микрокосм вещей и явлений. Гурски фотографирует «с натуры», Деманд — копию реальности. Однако объединяет их атемпоральность: и у того, и у другого часто трудно соотнести картинку с определенным временным промежутком. Размышление о времени — центральная ось, вокруг которой строится выставка «Служба времени». Рассматривая «время через измерение духа, выставка обращается ко множеству аспектов понимания протяженности времени, […], исследует не духовное как таковое, а фундаментальные установки, лежащие в основе создания и исполнения конкретных работ, подразумевающие продолжительную практику духовного труда. Фокус на духовном органично перетекает в фокус на протяженности, который, в свою очередь, заставляет присмотреться внимательнее к различным режимам времени, тематизируемым художниками в своих работах, а именно к вязкому, проблематичному, неисторическому времени», — кураторы Снежана Кръстева и Андрей Мизиано.
Ахмат Биканов
источник: Галерея Szena, theblueprint.ru
Перед нами серия портретов (акварель, тушь на бумаге) родных художника, некоторые выполнены почти в монохроме, другие напоминают цианотипию. Пронзительность взгляда его персонажей сродни Фаюмским портретам — созданным в Римском Египте I-III веков в технике энкаустики. Под греко-римским влиянием местная погребальная традиция видоизменилась: портрет стал заменять погребальную маску на мумии. Такая ассоциация, безусловно, вызывает смутное ощущение тревоги, которое подкрепляет цветовое решение — люди как бы обескровлены. Как бывает всегда, когда тебе кажется, что ты соприкасаешься с темой смерти в искусстве, это не может не задеть.
Федора Акимова
источник: blazar.art
«antiatrop 9», киот XIX в., тарелка — дерево, игрушки, вышивка, тюль, акрил, лак
Художница выставляется в самостоятельной будке без привязки к какой-либо из галерей — здорово, что Blazar дает такую возможность. Вместо холста в раме — прозрачный тюль, по которому художница вышивает. Киот добавляет сакральный смысл, светло-голубой цвет и игрушки вторят настроению первичной наивности и невинности. Все предметы и материалы — с собственной антропогенной историей, найдены на свалках и блошиных рынках. Мы как бы наблюдаем за тем, как благодаря намекам на человеческое присутствие, вся конструкция обретает статус артефакта. Само же изображение человека отсутствует, мы теряемся во времени и пространстве: как расположить этот объект и себя относительно него?
Современное искусство нередко осознается в некой серой зоне, где нет устоявшихся критериев. Акимова позволяет зрителю оказаться в таком подвешенном состоянии, где он дистанцируется от привычной реальности, на которую теперь может посмотреть иначе.
(были представлены Владиславом Слудским в будке qazart.com)
Lyazzat Khanim в своих гиперреалистичных работах маслом на холсте как бы архивирует личные переживания повседневности: привычные предметы, оказавшись в ее фокусе, отделяются от общего потока информации, впечатлений, событий и обретают завораживающую выразительность. Уникальное видение и умение замечать красоту в деталях.
Марат Дильман в своей художественной практике исследует то, как технологии и элементы современной урбанистической среды взаимодействуют с визуальными архетипами традиционной казахской культуры (юрты, орнаменты, национальная одежда, батыры). Фотографии Дильмана отличаются безупречной композицией и характерной яркостью цветовых сочетаний.
Медина Базаргали работает с целым рядом различных медиа (кодирование, видео, инсталляция, визуальное программирование, кибер-физические системы, нейронные сети, машинное обучение, информатика). Наблюдая за тем, как советское прошлое и его наследие переплетается с современностью и цифровизацией, Медина с особой проницательностью замечает и фиксирует в своих работах даже самые неочевидные аспекты этого процесса.
Ambujerba — художник, в работах которого считывается глубокая духовность, провокативность, влияние как фундаментальных учений, мифологии, так и поп-культуры. Такой синкретизм рождает специфичную структуру каждого холста, где низкие частоты гармонично накладываются на высокие.
Еще один художник — Адиль Аубекеров, — с которым казахстанский зритель знаком еще с 2018 года благодаря Дине Байтасовой и TSE Art Destination, выставлен в другом месте — пространстве CUBE. Его сильные, динамичные линии выстраивают вокруг себя особое энергетическое поле. Адиль совершает воображаемое путешествие во времени, документируя свои впечатления от нескольких стран и культур, метаморфоз и взаимовлияний цивилизаций, визуальный опыт — от наскальных рисунков до современных граффити. Странствуя по бесконечному пространству воображения, художник погружается в особое состояние души, близкое к медитации, и пишет без предварительных набросков, в свободном потоке сознания. Картины автора можно будет увидеть в октябре на коллективной выставке «Чувство ритма», организованной Etage в государственном музее искусств им. Кастеева.
Продолжая прошлогодний опыт, LOBBY вновь курирует групповой off-site проект галерей-участников COSMOSCOW в рамках параллельной программы ярмарки. Это пространство — марьяж искусства, дизайна и моды. Как эхом к повестке, заданной Гаражом, красной линией в работах художников-участников проходит тема темпоральности, времени.
источник: lobby.moscow
«Последнее время мы наблюдаем повсеместные призывы замедлиться, практиковать медитации, ценить момент и жить осознанно, и видим, как эти идеи отражаются в искусстве. Через представленные работы мы намерены сфокусировать внимание зрителей на простом настоящем (неопределенном) времени и лингвистическом дуализме «present» с его «дарственной» природой», — Софья Карповская, основатель LOBBY.
За углом — временное посольство галереи Lazy Mike в Гостином Дворе, где показывают Bulky Biceps Trying To Fly Александра Кутового. Работы проекта были впервые представлены на ярмарке COSMOSCOW в 2020 году. Кутовой доводит до предела греческое понятие калококагатии: красивая форма, которая находит не менее прекрасное применение.
Автор «представил скульптуру Пегаса, который на самом деле был гимнастическим конем, и головы античных персонажей Афродиты и Гипноса, превратившиеся в гири для силовых упражнений. То, что в нашем сознании по умолчанию фигурирует как «золотой фонд мирового искусства», обрело предельно конкретную функцию и вписалась в современные массовые тенденции поддержания здоровья, увлечения спортом и внимания к собственному телу».
Линейка расширилась и на этот раз экспозиция состоит из восьми скульптур, каждая из них — полноценный спортивный снаряд. На протяжении всей истории искусств что-то эпатажное сначала кажется скандальным, позже нормализуется, становится привычным, уместным, а потом и вовсе традиционным. Продолжая общее рассуждение о времени, его течении и переменам ему сопутствующим, можно заметить, что в современном мире такой переход происходит крайне быстро. Воспроизводя классические скульптуры и перекраивая их смысл, Кутовой возможно и вызывает первичное недоумение, однако не производит шокирующего впечатления. И это скорее приятное удивление.
источник: forbes.ru
В зеленом парке «Зарядье» по соседству с Красной Площадью — выставка победителей Московской Арт-Премии, которая призвана выявить и поощрить авторов, создавших за последний год произведения в Москве, о Москве, для Москвы в любом из жанров и направлений современного искусства. В продолжение линии анализа темпоральности в искусстве: работы Паруйра Давтяна и Анастасии Цайдер.
«Апроприация и переосмысление истории искусства — одна из важнейших стратегий современных художников. У Паруйяра Давтяна одним из главных приемов «пересборки» художественного наследия становится осознанное введение в его прочтение ошибки и соединение в одном проекте разных традиций».
В «Плоде Моне» свет настроен таким образом, будто рядом есть пруд, от поверхности которого солнечный свет отбрасывает блики. На холсте происходит деконструкция импрессионистских кувшинок до абстракции. Внимание к вещи отвлекает от цвета, здесь же предметный цвет, вырастая из предмета продолжает жить своей собственной живописной жизнью. Медитативная, тянущаяся во времени, предназначенная для тихого созерцания инсталляция «Плод Моне» окружена графическими работами из цикла «Элементарий» (2017-2020), использующими гербарии и образующими метафорическую модель сада.
Проект Arcadia II Анастасии Цайдер изучает коллективную память, сформированную социальными условиями и сложным историческим контекстом. Художница ищет пасторальную идиллию в строгих модернистских микрорайонах, построенных по всему СССР с конца 1950-ых и вплоть до 1990-ых. Чаще всего в генплан сразу же закладывалась вся необходимая инфраструктура вместе с парками и скверами. В настоящее время эта постсоветская городская растительность оказалась запущена, превратив городской ландшафт в романтический пейзаж. Архитектура, оставшаяся от несбывшейся утопии, зависла между прошлым и программой реновации.
Из всего многообразия того, что локальные и иностранные галереи экспонировали на ярмарке — картины двух авторов исключительно задевают за живое, при этом вторят тому амбиансу созерцательного умонастроения, что сложился в самый первый день — в Гараже.
Лоран Грассо
источник: Gallery Perrotin
Лоран Грассо — французский художник, его фильмы, скульптуры, картины и фотографии, можно расположить где-то на пересечении разнородных темпоральностей, географических регионов и реальностей. Грассо не замыкается в своем восприятии на какой-то одной культуре или иконографической традиции: «Мне нравится европейское искусство, особенно итальянское. Но у меня есть много знакомых в Азии, которым нравятся мои работы. Их мир является необычной смесью высоких технологий и древней истории. И я занимаю себя тем, что мысленно путешествую от одного периода времени к другому. Азиаты к такому образу жизни и мысли привыкли. Они живут в культуре храмов, древних традиций и религий, мистицизма и шаманизма по сей день. Например, однажды я делал проект в Японии. И это было очень интересно, потому что в процессе все верили, что их окружают духи. Но при этом пользовались такими высокими технологиями, которые нам сложно представить».
Анахронизм и гибридность играют активную роль в его стратегии, которая влечет за собой рассеивание реальности, чтобы воссоздать ее в соответствии с его собственными правилами.
Алексей Дубинский
Значительное число его работ — это портреты друзей, хороших знакомых, ближний круг. После выставки в галерее «Триумф» в 2020, которая преимущественно состояла из этих самых портретов, Дубинский продолжает свое «исследование путешественника: я не кому-то что-то, а скорее пытаюсь сам изучить этих персонажей, понять, в какой вселенной они живут… Вот дальше из комнаты куда они, где они появятся? Я примерно уже догадываюсь, куда они там все выйдут — скорее всего это будет некий таинственный сад, пространство, где я их смогу соединять друг с другом и создавать между ними какие-то отношения».
На стенде ART SAMPLE расцветает целая клумба: насыщенный цвет, по-детски пронзительно красивые ромашки, маки и другие полевые цветы качаются на тонких стеблях. Наивный сюжет на формате, который по академическим канонам предназначен для библейских повествований или батальных сцен, очень освежает. Тем не менее, сад — слово, тяжело загруженное культурными коннотациями, но первое, пожалуй, что приходит в голову по поводу садовой семантики — архетип возвращения к райскому существованию человека в Эдеме, к его первоначалу. Здесь это — модель природного космоса, соблюдающего законы природного временного цикла. Цветы Дубинского за фасадом декоративности скрывают сложные нарративы, которые не скучно изучать.
Корина — победившая в этом году-художник и сценограф, в своих работах использует фактурные материалы и ткани, а также создает иммерсивные инсталляции. Razzle Dazzle — противоречивое и изменчивое пространство, постоянно обманывающее и сбивающее с толку зрителя.
Сначала кажется, что инсталляция Razzle-Dazzle — спасательная вышка, с которой запутавшийся зритель может сориентироваться, оказавшись посреди буйной визуальной эклектики ярмарки. Однако этого не происходит, все артефакты прошлого — главный объект интереса художницы — уклоняются от опознования. Откровенно показушная манера представления лишает тебя каких-либо сомнений насчет исторической достоверности предметов, и прошлое так и запечатлевается в памяти в несколько искаженном виде. Эстетика Кориной такова, что зритель, наблюдая на первый взгляд повседневные вещи, сталкивается с некой подоплекой — их видоизмененность не может оставить никого равнодушным. Неописуемые трансформации пропитывают инсталляцию изнутри: мавзолей превращается в крохотный макет восьмигранной пирамиды, искусственные ели, опираясь одна на другую, превращаются в одно целое, образуя причудливый орнамент, старинный масонский грот XVIII века вдруг стал партизанским убежищем и дальше все страннее и страннее.
Само название Razzle-Dazzle это отсылка к камуфляжной раскраске, главная цель которой — исказить формы объектов и затруднить их распознавание. Двойственна также правильная интерпретации названия: «ослепление великолепием» — обманчивыми, фальшивыми, ненастоящими, поддельными, преувеличенными и показушными — оказываются не только объекты, но и реанимируемое в идеологических целях прошлое.
После философских рассуждений о времени и искусстве — вернемся в наш материальный мир.
Московская арт-сцена очень насыщена и живет полноценной жизнью. Местные коллекционеры покупают местное искусство — что и рождает местный рынок, давая возможность молодым художникам делать следующий шаг: выходить на мировые площадки. COSMOSCOW 2021 продемонстрировала уверенные продажи. Многие стенды были проданы целиком, а некоторые за четыре дня ярмарки успели несколько раз полностью сменить экспозицию. Диапазон цен на произведения искусства варьировался от €35 за тиражную работу Андрея Сяйлева «Бумага белая, для рисования, 100% искусство» (галерея ArtTube Editions, Москва), до €210 000 — за такую стоимость продались сразу две работы: «Мой Зимний Дворец N.14» Чжаня Хуаня и «Красный на Красном» Mr Doodle (оба произведения были представлены Pearl Lam Galleries, Гонконг). А еще были продажи на Blazaar и во множестве коммерческих независимых галерей.
Во второй раз на ярмарке был представлен коллективный стенд Created in Moscow –кураторский проект, созданный при поддержке Агентства креативных индустрий, подведомственного Департаменту предпринимательства и инновационного развития города Москвы. Тема этого года — «Малые скульптурные формы». Куратор проекта – Алексей Масляев, куратор Фонда поддержки современного искусства Cosmoscow.
В этом году участниками стали следующие московские галереи: 11.12 GALLERY, a-s-t-r-a, ArtVisioner, Artwin Gallery, ARTZIP, Askeri Gallery, Boccara Art Galleries, Fragment Gallery, JART Gallery, K35 Space, New Sincerity, Omelchenko Gallery, PA Gallery, PENNLAB Gallery, pop/off/art, SAMPLE, Syntax, «Азбука», «Алиса», сцена/szena, галерея ЛУЧ, галерея «Тираж 1/1», галерея «Эритаж». Благодаря поддержке Департамента каждая из них приняла участие в Cosmoscow бесплатно.
Частные инициативы, культурные институции и государственная поддержка вместе работают на развитие рынка искусства, что очевидно влияет на качество искусства.
Что сейчас происходит с искусством в Казахстане? Стабильный арт-маркет, продажи, коммерческий успех — неотъемлемая часть здоровой системы творчества, где художнику не нужно идти на компромиссы. Искусство ради искусства — прекрасный концепт, но хорошо работает он тогда, когда есть меценат, избавляющий творца от насущных потребностей. Пренебрежение к финансовой стороне вопроса и затягивание с решением этой проблемы — тот случай, когда время играет против всех. Время идет и показывает, что казахстанцам инвестировать в искусство нужно сегодня.
Получай актуальные подборки новостей, узнавай о самом интересном в Steppe (без спама, обещаем 😉)
(без спама, обещаем 😉)
